Ayer, 29 de Abril se conmemoraba el 30 aniversario del fallecimiento del genial cineasta. 30 años desde su muerte y 50 de una de sus películas más famosas. Sin duda 2010 es el año de Hitchcock.

Los actores

Janet Leigh: La actriz estadounidense fue nominada al Oscar como mejor actriz secundaria por su papel en esta película (aunque finalmente lo perdería a manos de Shirley Jones) Tras algunas películas con la Metro y sus desafortunados encontronazos con Howard Hughes en la RKO (el magnate quiso proponerle varios papeles a cambio de favores sexuales) en 1951 se casó con el actor Tony Curtis de dicha unión, nació Jamie Lee Curtis. Después poco se supo de ella, colaboraciones bastante contadas en el cine, y aparaciones principalmente en la televisión. Murió a los 77 años el 3 de Octubre de 2004. Hasta el día de su muerte, siguió teniendo un pánico atroz a ducharse y siempre lo hacía con las cortinas semi-abiertas.



Anthony Perkins: Al protagonista de Psicósis le costó mucho deshacerse del papel de Norman Bates (es más, nunca lo hizo del todo) después de rodar El proceso la adaptación de la obra de Kafka, sus apariciones en la pantalla grande se fueron reduciendo a papeles cada vez más pequeños. 23 años después, retomó el papel de Bates en una secuela del clásico de Hitchcock Psicosis II y en 1986 no sólo protagonizó si no que también dirigió la tercera parte, ambas con un resultado de crítica que es mejor olvidar. Su última película fue precisamente una producción española Los gusanos no llevan bufanda. El actor murió a los 60 años por una enfermedad derivada del SIDA que contrajo en los años en los que se declaró homosexual, y en los que compartió cama con algunos personajes como Rod Hudson. Su mujer, con la que contrajo matrimonio a los 41 años, Berry Berenson, fue una de las víctimas que viajaba en el avión que los terroristas impactaron contra la torre norte del World Tride Center el 11 de Septiembre de 2001.


Marli Renfro: Las sinuosas curvas que poblaron la ducha de aquel famoso asesinato en el motel Bates, no pertenecían a Janet Leigh, ya que se negó a exhibir su cuerpo. Para poder realizar la escena se contrato a una Pin up de melena Rojiza que cobró 500$ por el trabajo. Durante mucho tiempo se pensó que poco después de la película fue asesinada, pero gracias al trabajo de investigación de Robert Graysmith (autor del famoso libro Zodiac) se supo el verdadero paradero de la actriz. La persona que murió asesinada realmente fue Myra Davis, la doble que utilizó Hitchcock para las pruebas de luces. Renfro se enteró de la supuesta noticia de su muerte cuando intentó ponerse en contacto con Playboy (revista de la que fue una de las primeras conejitas) para acudir a una de sus fiestas y la telefonista le dijo "Marli Renfro ha muerto hace años". La ex streaper vive apaciblemente en el desierto de Mojave, no volvió a los escenarios y decidió mantenerse apartada de todo lo que tuviese que ver con la película, al escuchar las declaraciones de Janet leigh diciendo que ella misma había rodado toda la escena de la ducha.

Piscosis: 50 años después

Hitchcock se negó durante toda su vida a que se realizase ninguna secuela, pero nada más morir hicieron oídos sordos de sus peticiones y se dispusieron a hacer Psicosis II, fruto del éxito de su predecesora las salas de cine se llenaron a pesar de la escasa calidad de la cinta. El dinero recaudado se convirtió en una buena excusa para realizar Psicosis III que fue pisoteada por crítica y público. En 1990 rizando más el asunto se realizó una película para la televisión Psicosis IV: el comienzo no vale ni la pena decir que los resultados fueron más que pobres. En 1998 Gus Vas Sant decidió desempolvar el recuerdo del motel Bates, realizando un remake fusilando plano a plano la película original, fueron muchísimas voces las que se alzaron en contra del director estadounidense y de su absurda película ¿Para que "revisar" un clásico cuando este es universal y atemporal?


La mansión Bates aún sigue en pie, se ha convertido con su peculiar estilo victoriano con toques góticos, en una de las atracciones turísticas más visitadas en los estudios de la Paramount


Psicosis 50 años después, sigue siendo una película mítica ¿y cómo se puede saber cuando una película ha pasado a los anales de de la historia? ¡cuando es parodiada! Son multitud de películas, series, programas y situaciones en las que se han parodiado con humor algunas escenas de esta película, sin ir más lejos en Los simpsons, Homer es atacado por su bebé de una manera que me suena ligeramente...




Psicosis es el comienzo del cine moderno, es la transgresión, el erotismo, la violencia, es el miedo, la tensión, el suspense... terror en estado puro para un cine con mayúsculas, una película que nadie debería perderse, y menos con el trailer que protagonizó su director para presentar la película, con algo así ¿quién puede resistirse?

Seguimos con nuestro homenaje a una las mejores películas de todos los tiempos Psicósis que está de aniversario.

La ducha

Cuando pensamos en Psicósis, lo primero que se nos viene a la cabeza es la famosa escena de la ducha. Esta secuencia pasará a los anales de la historia cinematográfica por ser una de las más famosas, más repetidas y más escalofriantes del cine. No sólo contemplamos la profunda carga erótica de ver como la protagonista, la bella Janet Leigh, se desnuda casi ante nuestros ojos, si no que nos damos cuenta que otros ojos también la acechan, Norman Bates escondido tras una pared observa la escena. El voyeurismo que tantas veces se hace presente en el cine de Hitchcock, toma la forma de un joven perturbado que espia a la única clienta de su motel.

La grandiosidad de la escena no sólo radica en la violencia, en el pánico que nos produce, en el maravilloso montaje o en esos chirriantes violines, si no que, como ya dije en la anterior entrada, la protagonista muere. Esto en 1960 era algo impensable, encima tratándose de Janet Leigh, toda una estrella, asesinada a los pocos minutos de comenzar la película.



Hitchcock quería detallar toda la crudeza del asesinato, una visión completa (desde el lado del asesino y desde el de la víctima) un juego de cámaras con un montaje frenético, un cuchillo que no cesa de moverse... para esta escena se hicieron 70 tiros de cámara diferentes, para un total de 45 segundos de película.

Por esta época el color ya era una realidad en el cine, es más Hitchcock, había demostrado en películas anteriores que era un experto conocedor de las técnicas de combinación de colores, pero lo que tenía en mente para Psicósis tendría que rodarse en blanco y negro. Los espectadores no estaban preparados para ver un espectáculo gore lleno de sangre, por eso aunque esta secuencia iba a ser muy violenta, el hecho de poder enmascararla con la sencillez de dos únicos colores neutralizaría el efecto devastador que iba a tener entre el público y así también evitarían la censura.

Tampoco podemos olvidar la banda sonora, convertida ya en un icono del terror, la música provoca temor sólo con escucharla (Algo que directores como Spielberg trasladaron a sus películas. En Tiburón la música es la señal para dar rienda suelta a nuestro más pueril sentimiento de pánico). La escena en un principio no iba a tener partitura, Hitch la ideó como una secuencia en la que sólo se oirían los movimientos de los actores y el agua de la ducha correr, fue el propio autor de la música, Bernard Herrmann, el que compuso la melodia por cuenta propia, al enseñársela al director, este quedó encantado, pero de todas maneras se hicieron dos pases previos con un pequeño grupo de personas. El primer pase sin musicalizar, muchos quedaron indiferentes, el segundo con la banda sonora de Herrmann, el público saltó literalmente de sus asientos, poniendo de relieve la importancia que tiene en cualquier película la banda sonora, aunque a veces no le prestemos la atención que merece.

Curiosidades

- Cuando Marion es asesinada, lo que corre a través del desagüe, obviamente no es sangre, pero ni siquiera es salsa de tomate, es... ¡chocolate! Ya que la película iba a ser rodada en blanco y negro el color no importaba y con el chocolate se daba la textura exacta para que pareciese sangre.

- Tampoco los sonidos de las cuchilladas son reales, se consiguieron gracias al apuñalamiento si, pero de una sandia.

- Psicosis revolucionó el mundo del cine al ser la primera película que mostraba un inodoro y no sólo eso si, no que encima cuando se tira de la cadena.

- Hitchcock se tomó muy en serio el tema de mantener en secreto el final de la película: Obligó al equipo técnico y a los actores a firmar un contrato de confidencialidad, se negó a que los críticos pudiesen ver la película antes del estreno y por supuesto hablar de ella (a uno de ellos le sentó tan mal que al verla la calificó de bodrio, pasados unos años la colocó entre una de las mejores 10 películas de la historia del cine) tampoco dejaba entrar a ningún espectador cuando la proyección había comenzado (de eso se encargaban guardias uniformados) a pesar de que la gente estaba acostumbrada a entrar y salir con la película a medias por las sesiones continuas. Incluso en el plató puso una silla con el nombre de Sra Bates para confundir al equipo técnico y se realizó un falso casting en busca de la madre del protagonista. En el cartel aparecía una frase del propio Hitchcock "Por favor no contéis el final a nadie, no dispongo de otro"

- Ante el temor de las productoras por el arriesgado argumento de la película, que incluía violencia explícita, erotismo y algún tema de moral cuestionable, la financiación de la película fue una tarea casi imposible. El propio Hitchcock puso el 60% del presupuesto de producción de su propio bolsillo

- Para la escena de la ducha se utilizaron dobles: Janey Leigh tuvo un doble de cuerpo la actriz Marli Renfro una pin up que fue portada de la revista Playboy (más cosas sobre su vida en la siguiente entrega). Anthony Perkins tampoco rodó la famosa escena porque se encontraba en Nueva York con una obra de teatro, se dice que fue Saul Bass (el creador de los créditos y el story board) el encargado de sustituir a Perkins, pero realmente fue un técnico del equipo que se asemejaba a Norman Bates.

- Hubo una gran polémica por el uso de la palabra travesti en la cinta, Joseph Stefano el guionista se las tuvo que ver con los productores de la película que veían en esa palabra un claro componente sexual. Stefano tiró de diccionario mostrándoles que travesti simplemente alude al hombre al que le gusta vestirse de mujer.




Próxima entrega Psicosis y su legado en nuestros días

Hace 50 años a un orondo director británico se le ocurrió hacer una película en blanco y negro de terror, hoy no sólo no ha envejecido, si no que sigue haciendo estremecerse a miles de personas cada vez que se duchan. Señoras y señores, con todos ustedes: Psicosis



Psicosis suposo un antes y un después en el cine de suspense. Hitchcock ya había realizado películas como La ventana indiscreta o La soga, películas que ahondaban en la parte más oscura del ser humano, su condición despiadada, cruel e inhumana, pero jamás un asesinato se convirtió en un hecho tan real para los espectadores, nunca antes se había visto tanta violencia en el cine.

Hitchcock estaba acostumbrado a rodar con grandes presupuestos, tanto la Paramount como MGM, no pusieron nunca límites a sus peticiones, ni siquiera en el tema de contratación de grandes estrellas del Star System Hollywoodiense, puesto que el británico era era sinónimo de éxito. Por este motivo, en principio extrañó que un director de la talla de Hitchcock se interesase por una humilde novela de misterio escrita por un desconocido Robert Bloch, y que para llevarla a cabo utilizase un equipo de rodaje de la serie de televisión Hithcock presenta.... Se dice que la primera idea fue que Psicosis fuera un capítulo más de dicha serie, pero viendo las posibilidades que tenía el argumento, se decidió que un largomentraje, explotando la psicología de los personajes al máximo, sería más interesante.

La elección de los personajes fue clave para el buen funcionamiento de la obra. La estrella más conocida del reparto (una rubia más para la colección del director) era Janet Leigh, que se nos presenta como la protagonista de la historia, mujer trabajadora, que mantiene una relación ilícita con un hombre casado, decide robar en su trabajo, debiendo huir con el botín, hasta que se resguarda en el lúgubre Motel Bates. Cuando el público comienza a intuir una película típica de "Hitch" (como llamaban cariñosamente a Hitchcock) con una huida y una trama de suspense, la protagonista es asesinada ante los ojos atónitos de los espectadores, una bofetada fría, que deja una sensación de incertidumbre que pocos han conseguido igualar. Anthony Perkins realmente el protagonista de la historia, compone un retrato fantástico de la locura y la angustia de una mente perturbada. Un tímido encargado de un motel familiar que recibe pocas visitas y vive atormentado por su madre.



El termino Macguffin, que fue acuñado por el propio director, convierte a Psicosis en su más claro ejemplo. Macguffin es un hecho que aparece en una película en el que el espectador se concentra pensando que es el hecho principal, dando paso, como hilo conductor, a lo que realmente nos importa. Gracias al robo del dinero, y a la huida de la protagonista, el público puede conocer a Norman Bates y su historia. Aunque Hitchcock había utilizado este recurso con anterioridad fue con esta película cuando realmente desconcertó al público. Jamás antes, el supuesto personaje principal había desaparecido de escena tan pronto y con tanta violencia. Otra vez el británico daba un paso de gigante por encima de los anticuados libretos de la industria del cine.

En la próxima entrega: estreno de la película, la mítica escena de la bañera y curiosidades.

Ficha Técnica

Título original: Psycho
Año: 1960
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Director: Alfred Hithcock
Guión: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch)
Música: Bernard Harrmann
Fotografía: John L. Russell
Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John McIntire, Martin Balsam, Simon Oakland, Patricia Hitchcock
Productora: Paramount Pictures

La primera vez que me enfrento a un top de cine, y realmente me está costando mucho decidirme... son tantas las películas que me gustaría poner, que elegir solo una resulta casi imposible. Llevo horas dándole vueltas, pero creo que he llegado a una conclusión (eso si, voy a dejar de leer el top, porque cada vez que lo reviso cambio de opinión)

Las Reglas:

·Decir quién me ha nominado al juego: Ramón de Cinemadreamer, por cierto, todo un honor que haya pensado en mi.

·Nominar a personas/blogs para que continúen el juego (al final de la lista)

Comenzamos:

Mejor película de acción: El ultimátum de Bourne






Mejor película de aventuras: Indiana Jones y La última cruzada





Mejor película bélica: El cazador





Mejor película biográfica: Una historia verdadera





Mejor película cómica: El apartamento





Mejor película de ciencia ficción: Matrix





Mejor película deportiva: Evasión o victoria





Mejor película dramática: Cadena perpetua





Mejor película de gángsters: El Padrino





Mejor película histórica: La Lista de Schindler





Mejor película independiente: Reservoir Dogs




Mejor película de juicios: 12 Hombres din piedad





Mejor película musical: Chicago






Mejor película basada en un cómic o novela gráfica: Una historia de violencia





Mejor película basada en una obra de teatro: Closer





Mejor película romántica: Los puentes de Madison





Mejor película de terror: Psicósis





Mejor película thriller: Seven






Mejor película de cine negro: Atraco perfecto






Mejor película western: Sin Perdón





Mejor película animada: La Bella y la Bestia




Mejor película de todos los tiempos pasados, presentes y futuros del mundo conocido, por conocer y hasta de mundos paralelos: Categoría complicadísima, pero elijo La soga por lo arriesgado de su rodaje, por un soberbio James Stewart, por el magnífico guión, por la lectura implicita de la teoría del súper hombre, por los elaborados diálogos, porque al fin y al cabo es una obra maestra del cine.



Y si se me permite, incluyo una nueva categoría: Mejor documental: La marcha del Emperador




Ha sido muy complicado, y siento que he "traicionado" a un montón de películas que me encantan o incluso que son mejores, pero ¿quién ha dicho que los tops son fáciles?

Propongo que sigan la cadena los siguientes blogs:

Cinedania
La última sesión
La calle Morgue

Y como mis predecesores animo a todo el mundo, tenga o no blog a poner las sus propias categorias

Atravesando la, ya famosa, alfombra verde de Jameson llegué al madrileño teatro Alcázar dispuesta a ver la octava edición de los premios Jameson Notodofilmfest. Curiosamente en el hall de entrada, la alfombra dejó de ser "normal", para convertirse en un mullido césped artificial. Sentada en mi butaca en la zona de prensa (Cine de Gelen fue acreditada para acudir a la gala, gracias a Laura y a Maria que se portaron fenomenal conmigo en todo momento) esperaba a que la ceremonia comenzase. Por los pasillos del teatro risas, encuentros, besos y muchos nervios. La gala empezó antes de que diesen las diez y media, contaba con Luis Larrodera como maestro de ceremonias, que aunque puso mucho empeño en hacer reir a la gente, le tocó un publico complicado que apenas jaleó sus chistes.

La edición de este año ha contado con cifras de infarto: casi 1000 películas a concurso, más de 4 millones de visionados y 68.000 euros repartidos en premios.

El primer premio no se hizo esperar, el Premio del público a la mejor película recayó en Juan Pablo Martín por I wish. La historia del corto es curiosa, iban a rodar en San Francisco, querían como protagonista a alguien real y encontraron a Moisés, un vagabundo que llevaba 20 años viviendo allí. Él aceptó a trabajar en el corto de manera altruista y el equipo le prometió que si ganaban le pagarían el avión a Madrid para que recogiese el premio. Cuando el director Juan Pablo Martín subió al escenario comentó, visiblemente emocionado, que la nube del volcán Islandés había impedido viajar a Moisés, pero que muy pronto visitaría Madrid. Os dejo el corto, porque es fantástico.




El premio Starligth tenía como temática las estrellas y estaba dotado con un premio de 2000 euros y una estancia en la residencia de astrónomos del Observatorio de Roque de los muchachos en La Palma. Para presentarlo subió un representante del Instituto de Astrofísica de Canarias, que abogó por la desaparación de la contaminación lumínica"para proteger el derecho que todos tenemos de ver las estrellas". El premio fue para Pablo Vara y su corto Solos

La película Mirada Perdida recibió dos galardones: Premio a la mejor película de ficción y Premio Si es calle 13, nosotros lo emitimos. Un eufórico David Pareja subió ambas veces al escenario, con los gritos de "Tío bueno" de algunos miembros de su cla de fondo, mientras agradecía a todos su ayuda y reiteraba lo mucho que quería a su novia (¡no tenemos nada que envidiar a Hollywood!)

Y llegó el momento de presentar el premio Los Goyitas para ello el mismísmo presidente de la Academia de cine, Alex de la Iglesia, realizó y protagonizó un corto (junto a Javier Afler) para explicarnos esta curiosa categoria. A partir de ahora, cada año se realizará un remake de los nominados a los premios Goya del año anterior, y tendrá que tener una duración máxima de 1 minuto. La cosa no es fácil, pero este primer año el resultado ha sido asombroso. Los ganadores han sido Mar Delgado y Esau Dharma (¿será que Perdidos está haciendo estragos?) con el corto MicromapasdelossonidosdeTokio y no es que la barra espaciadora se me haya roto, es que ese es su título. Los flamantes ganadores no se lo esperaban (y aunque suene a tópico esta vez se notaba que era cierto) y brindaron algunos de los momentos más divertidos de la noche "Muchísimas gracias al Jameson que le daban mientras seleccionaban el ganador" y "No estamos dando agradecimientos a nadie porque lo hemos hecho nosotros dos". Al principio puede parecer que la presencia de Isabel Coixet en el Jurado hubiese podido propiciar el galardón, pero después de verlo es imposible no enamorarse de este corto, aquí os lo dejo.



Alberto González subió dos veces al escenario para recoger los premios al Mejor guión y El Rey del Box Office es decir, el premio al corto más visto, por el divertido El fin del mundo. En el escenario fue breve y escueto y es que como él mismo reconoció cuando agradecía el segundo galardón "No soy una persona muy comunicativa, gracias"

Otro de los premios curiosos de la noche fue el de la categoria Una peli de... que en esta edición quedó como Una peli de... Amenabar. El famoso director daba pie a una historia que los participantes tenían que seguir. Amenabar escribió:

La estancia está en penunbra. Al fondo llega la luz de un pasillo. Oímos
unos pasos agitados y un chirrido. Entra ANA, con expresión sombría, arrastrando una maleta con ruedas. Las luces del salón se encienden a su paso. Deposita la maleta junto a la puerta de entrada y mira a su alrededor: libros y películas apilados
en las estanterías. No sabe qué coger. Mientras se lo piensa, las luces del pasillo se apagan automáticamente… Regresa por donde ha venido. La luz del pasillo se enciende de nuevo. Oímos una puerta que se abre y estrépito de bolsas de plástico. Tras unos segundos, las luces del salón se apagan automáticamente… Y se vuelven a encender cuando ANA reaparece, portando una gran bolsa de basura…

Los segundos premios recayeron en Conmulsión y Segundas oportunidades. Y el primer premio se lo llevó el italiano Giovanni Maccelli con Solo un detalle. Aunque Amenabar no pudo estar en la ceremonia, si que fue el encargado de hacer la selección. Os dejo al ganador porque el corto merece la pena.



El corto El capitan hacedor de estragos de Vicente Molina se hizo con el Premio a la Mejor Película de Animación y David Valero Simón con El día que yo me muera al

La categroría de Mejor interpretación tuvo dos ganadores: Daniel Pérez Prada por Ritmosis un divertido y curioso corto sobre un hombre que no puede dejar de bailar e Isabel Osca por Llama ya la historia de una tierna abuela que quiere ganar un concurso de la tele. Isabel, que no pudo estar en la gala, envió un video agradeciendo el premio, en uno de los momentos más tiernos de la noche, y es que a esta venerable ancianita dan ganas de llevártela a casa. Por cierto que el corto Llama ya, aunque sólo consiguió un galardon fue el que más nominaciones tuvo.

El director de esta edición del festival, Daniel Sánchez Arévalo, puso firme a los miembros del jurado y les calentó la oreja hasta que todos y cada uno de ellos realizaron también un corto, que se fueron emitiendo a lo largo de la gala. La antes mencionada Isabel Coixet presentó Dear John un corto intimista y bastante aburrido para mi gusto. La directora argentina Lucrecia Martel nos trae la historia de unos peces que soñaron con ser coches en Pescados uno de los cortos que más risas arrancó durante la gala. Borja Cobeaga vino de la mano de Un novio de mierda protagonizado por el televisivo Ernesto Sevilla. Isaki Lacuesta presentó un corto, quizá algo incomprendido que tuvo que explicar en la gala 2012. El madrileño David Serrano nos trajo una discusión de pareja con Pues vale el propio director del festival propuso un corto, que puede que sea parte de un futuro proyecto que tiene entre manos (Uno de los) Primos. Por último el origen del festival, "el papá de la criatura" como le llamaban ayer, el creador del festival Javier Fesser, presentó uno de los cortos más divertido de la gala, porque incluso la muerte se sobrelleva mejor entre amigos Última voluntad




La noche ya empezaba a llegar a su fin, y con él los premios más esperados. El presentador del Premio especial del Jurado fue Juan Antonio Bayona, el director de la aplaudida El Orfanato. El galardón fue a parar a las manos de Roberto Pérez Toledo con su corto Los gritones nominado en bastantes categorias, pero que finalmente se tuvo que "conformar" con un sólo premio.

Y llegaba el momento crucial para los finalistas al Gran Premio del Jurado dotado con 15.000 € y una beca de cuatro semanas en la New York Film Academy. Para presentar el premio subió al escenario el presidente del festival Daniel Sánchez Arevalo, que habló de la calidad de los cortos presentados, y que la democratización del cine podía llevar a un camino del todo vale, por lo que rogaba que se le tuviese "respeto al cine". Finalmente se alzó ganador el corto de Roger Villarroya titulado Capicúa. Un cortometraje que merece ser el ganador, por su sensibilidad, por ese bofetón de realidad, porque a veces nos hace falta que nos recuerden como son las cosas. Os dejo este corto porque pocas veces y en tan poquito tiempo se puede decir algo tan claro.




¡Enhorabuena a todos los ganadores!

Después de muchos meses de espera por fin ha llegado a las pantallas españolas Alicia en el país de las Maravillas, con la omnipresente versión en 3D bajo el brazo.

Antes de nada (sobre todo porque el tema me ha enfadado bastante) quiero hacer una pequeña queja acerca de esta moda de hacer las películas en 3D. Antes, cuando sólo un porcentaje ínfimo de las películas estrenadas se veían con este sistema (sobre todo las de dibujos animados) la entrada costaba lo mismo en cualquier cine. Daba igual que vieses una película que llevaba varios meses en cartelera con personas de carne y hueso en dos dimensiones, o que vieses (por poner un ejemplo) Monstruos contra alienígenas con las dichosas gafas. Ahora no, ahora el marketing ha provocado que en los cines, se cobre un suplemento cada vez que quieras ver una película en 3D ¡y encima tienes que pagar las gafas! Si esta es la manera con la que quieren incentivar el consumo de cine lo llevan claro. Al final, a la entrada de cine que cuesta 7,50 le hemos tenido que sumar 2 euros, así que no hace falta ni usar calculadora para descubrir el resultado, casi 10 euros por ir al cine. En los tiempos que corren, no es una medida muy aconsejable, aún tenemos mucho que aprender de otras ciudades (ver Promociones especiales de cine)

Y después de desahogarme un poco (que necesitaba soltarlo, desde que pagué la entrada) nos ponemos con la película de Burton, que es el tema principal. Puede que las grandes expectativas con la que esperabamos la llegada de Alicia, nos hayan nublado un poco la objetividad, y puede que por ser Burton le exijamos mucho más que a cualquier otro director, pero la versión renovada de Alicia en el país de las Maravillas me ha decepcionado mucho.

La película no tiene alma, le falta argumento, empatía, magía... todo ello ha sido relegado en favor de unos efectos especiales y una fotografía impresionante. A estas alturas, en pleno S. XXI, lo extraño es decir que una película tiene unos efectos especiales mediocres, ni mucho menos le quito mérito y estoy segura que ha sido un trabajo laborioso y complicado, pero no espero menos. Si que es cierto que la esfera burtoniana aparece en cada rincón: en las flores, en los paisajes, en los animales... pero no terminan de llegar al espectador, las creaciones son grandiosas y están realizadas al más mínimo detalle, pero le falta algo. En cine no se puede hacer una buena foto sin acompañarla de un texto que esté a la altura.

Los actores decepcionan bastante, el primero de ellos Johnny Deep, su excentricismo dentro y fuera de la pantalla le ha servido para ser el actor fetiche del director más fantasioso de Hollywood, pero esta vez el papel le ha venido grande. Su maquillaje hace más por su personaje que él mismo. El sombrerero loco, uno de los grandes protagonistas de la película, es un personaje más, no destaca ¿dónde ha quedado la locura? ¿dónde están los diálogos ingeniosos y sin sentido? una actuación muy comedida y discreta para lo que nos tiene acostumbrados el estadounidense. La nueva Alicia, interpretada por la semi-desconocida Mia Wasikowska, es fria y sin atisbo de disfrutar de la experiencia. No parece que esté en el país de las maravillas a tenor de su estado de ánimo. Anne Hathaway en la piel de la Reina Blanca no está mucho mejor (aquí puede que hable la animadversión que siento por esta actriz) la única que realmente merece algo más la pena es Helena Boham Carter como la Reina Roja (a la que siempre hemos llamado Reina de Corazones) con su desproporcionada cabeza y sus labios en forma de corazón.

Los demás personajes, sólo sirven de comparsa para este circo Burtoniano: los gemelos Tweedledum y Tweedledee, la liebre de Marzo (mucho más loca y desquiciada que su compañero de té) Absolem, la oruga azul (con un papel insignificante), el gato de la sonrisa enigmática Cheshire y por supuesto el ejercito de cartas que custodian el reino de la temida Reina Roja (con el recuerdo de unas cartas temerosas y asustadizas, Burton ha creado una tropa carente de toda espontaneidad, a las que ha convertido en máquinas de ojos inexpresivos)


Un detalle que al menos le ha dado un poco de calidez a la película, es el hecho de que la corte de la Reina Roja tenga unas deficiencias físicas enormes, para que la soberana pueda escabullir su gran complejo, y no sentirse una extraña. Me ha gustado que al menos uno de los personajes estuviese bien perfilado.

El resto de la película ha sido un mero instrumento al servicio del narcicismo de Disney y Burton, que han forzado situaciones e imágenes innecesarias para hacer patente la necesidad de usar técnicas en 3D.

Una lástima que a estas alturas Burton haya metido tanto la pata, cuando nos ha dejado obras de ensueño. La excesiva expectación creada por los medios: televisión, bloggers (entre los que me incluyo) y revistas, no han hecho más que presionar machaconamente, provocando que la gente tuviese una opinión formada, antes siquera del estreno. Ya lo decía antes, posiblemente por ser Burton le exijamos muchísimo más que al resto.


Lo que sí es seguro, es que han preparado para dentro de unos meses, cuando editen la película en DVD, una edición espectacular llena de extras, para que veamos como se puede rodar con un perpetuo fondo verde. Seguro que ver la trastienda de Alicia en el país de las Maravillas resulta mucho más gratificante que ver la película.

Ahora me sentaré en mi sillón favorito, encenderé el DVD y pondré Big Fish una película que si que lo tiene todo: fondo y forma y encima no me obliga a verla con ningunas gafas (que bastante tengo ya con mi miopía como para ponerme más cosas en los ojos)

Ficha Técnica

Título original: Alice in Wonderland
Año: 2010
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Director: Tim Burton
Guión: Linda Woolverton (basada en la novela de Lewis Carroll)
Música: Danny Elfman
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto:Mia Wasikowska, Johnny Deep, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Crispin Glover, Matt Lucas, Maerton Csokas, Jemma Powell
Productora: Tim Burton Animation Co. / Walt Disney Productions


Compra aquí la novela gráfica de Alicia en el país de las maravillas adaptada de la película de Tim Burton

Gracias a los compañeros de De Cine 21 el otro día pude asistir al preestreno de la película Más allá del tiempo en los cines Kinépolis de Madrid.

Publicitada como uno de los dramas románticos de la temporada, esta película llega a nuestras pantallas abalada por Jeremy Leven, autor del guión de El diario de Noah. Pero no nos confundamos, aunque la película sea del mismo guionista y en ambas aparezca Rachel McAdams ambas historias no tienen nada que ver. Producida (que no protagonizada) por Brad Pitt, Más allá del tiempo es la adaptación cinematográfica del Bestseller La mujer del viajero en el tiempo de la estadounidense Audrey Niffenegger.

Si obviamos la cuestión de la credibilidad de los viajes en el tiempo (ya que es sólo una herramienta para contar una historia) y no prestamos atención a algunos detalles tan significativos como que los curiosos viajes siempre son en un mismo radio de tiempo y siempre concentrándose alrededor de las mismas personas, nos quedamos, simplemente con una historia de amor imposible.

Henry es un bibliotecario de Chicago que, sin ningún tipo de control sobre su don, hace viajes en el tiempo. Un día conoce a una chica que parece que lo sabe todo acerca de él: su secreto, donde ha estado, cómo viaja... y se da cuenta que no está solo en el mundo. Ella asume con paciencia la faceta viajera del que será su marido, hasta que comienza a desesperarse por las continuas desapariciones y las preguntas sin respuesta.

El tándem protagonista posee una química muy relativa en pantalla, no se sabe el porqué, pero realmente en esta pareja algo no cuadra. Eric Bana nos descubre en cada nueva película que hace, que verdaderamente es un actor muy limitado, sus registros son escasos y no sé, si ha sido llamado por el camino de las películas románticas. Rachel McAdams repite el rol de la película que la hizo famosa, otra vez una relación complicada, llena de sufrimiento y dolor. Fuera vestidos de época, fuera oposición de los padres, ahora viste vaqueros y habla por un teléfono móvil, pero la esencia de sus personaje no ha cambiado. Es en estos pequeños detalles, donde vemos perfectamente la mano de Jeremy Leven.

Más allá del tiempo es amor, es ternura, es romanticismo, pero también es increíble (y no me refiero por los viajes en el tiempo) tramposa, aburrida, y con ese puntito de sensibilidad lacrimógena, que buscar la empatía con el espectador, que a mi particularmente, tanto me carga.

Voy a romper una lanza en favor de la película en el tema de los efectos especiales. Al rodarla han optado por enseñarnos como Henry desaparece, no sólo queda su ropa en el suelo, si no que vemos como su cuerpo se va desintegrando hasta desaparecer por completo (algo que es de agradecer, por no dejar al espectador con dudas acerca del proceso). Los efectos especiales (que parecen beber de la divertida Regreso al futuro, pionera en estas lides) se entremezclan con la imagen real, para ofrecernos, al menos, un buen espectáculo visual.

Para adictos al azúcar más irreal, sin miedo a tener una sobredosis.

FICHA TÉCNICA

Título original: The Time Traveler´s wife
Año: 2009
Duración: 107 minutos
Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Robert Schwentke
Guión: Jeremy Leven (Basado en la novela de Audrey Niffenegger)
Música: Mychael Danna
Fotografía: Florian Ballhaus
Reparto: Eric Bana, Rachel McAdams, Ron Livington, Brooklynn Proulx, Alex Ferris
Productora: New Line Cinema / Plan B Entertainment
Estreno en España: 23 de Abril

El cameo tiene su origen en el teatro londinense del S. XVIII, en algunas obras invitaban a personajes conocidos para que hiciesen un papel insignificante, pero que pudiese ser reconocido por el público, y de esta manera conseguir más publicidad para las siguientes funciones.

El primer cameo que se conoce es el de Erik Satie en la película de cine mudo Entr'acte de 1924, pero fue indudablemente el genial Alfred
Hitchcock el que los popularizó y los convirtió en sello de la casa.

En la actualidad el cameo se ha convertido en bromas del equipo de rodaje, homenajes encubiertos y sobre todo guiños al espectador que los descubre con placer a lo largo de la película.

Algunos cameos de directores son extramadamente conocidos, otros pasan inadvertidos a nuestros ojos, y sólo los espectadores más observadores son capaces de ver (con ayuda del botón pause por supuesto) pero aquí tenemos algunos de ellos, por si a algún cinéfilo se le ha escapado.

Alfred Hitchcock

Como no podía ser de otra manera, aunque los conocemos de sobra, no se puede hablar de cameos sin pronunciar su nombre. De las 52 películas que rodó a lo largo de su vida, en 37 de ellas protagonizó alguno de los cameos más famosos del mundo del cine (como en Con la muerte en los talones pierde el autobus).

En sus primeras películas era difícil encontrarlo porque se escondía entre la multitud, y hacía nada que llamase la atención. Pero a medida que creció la popularidad del cameo, Hitchcock decidió hacerlo en los primeros minutos de película, para que los seguidores pudiesen centrarse en el argumento y no intentasen localizarlo a lo largo de la cinta.

Steven Spielberg

El director estadounidense también ha querido intervenir en sus propias producciones y en las de algunos amigos. Aquí tenéis una lista de algunos de sus cameos:

• En Granujas a todo ritmo Spielberg es el funcionario de Hacienda que decide tomarse un descanso de 5 minutos.
• Es el conductor de la camioneta a la que Marty se agarra para no llegar tarde a la escuela en Regreso al futuro.
• También aparece en la adaptación americana de Abre los ojos, (Vanilla Sky) es uno de los invitados a la fiesta que saluda a Tom Cruise.
• En
  la segunda entrega de Parque Jurásico aparece como un reflejo en televisión, cuando la CNN avisa de la llegada de los dinosaurios a la ciudad, mientras come palomitas al lado de Jeff Goldblum.
• En la película de 1984 Gremlins el director sale conduciendo un cochecito (en la imagen)
• Otras veces los cameos no sólo consisten en que la persona en sí aparezca en pantalla, sólo con una mención es suficiente, por ejemplo,
  en el episodio I de la guerra de las galaxias uno de los senadores se llama Grebleips, que es en realidad Spielberg al revés, un guiño de su gran amigo George Lucas.

Martin Scorsese

Otra de las caras conocidas del mundo del cameo, es Scorsese que no sólo se apuntó a la moda de hacer apariciones sin relevancia en sus películas, si no que en algunas de ellas incluso se reservó un papel con cierto peso, como en la mítica Taxi Driver en la que interpretaba al cliente que se sube al taxi de Robert De Niro y le cuenta que su mujer le engaña
con otro.

• En El rey de la comedia es el director de televisión que habla con Tony Randall para que sustituya al anfitrión al que han raptado.
• También aparece en Toro Salvaje para decirle a Robert De Niro que le quedan sólo 5 minutos para su actuación.
• En la divertida After Hours Marty es el operador de luces del club Berlín.
• En Gangs of New York es un potentado dueño de una casa que ha sido robada.

Peter Jackson

El neozelandés que se hizo mundialmente famoso gracias a la trilogía de El Señor de los Anillos comenzó su carrera con películas gores de bajo presupuesto en la que por supuesto se guardaba un papel como en Bad Taste.

• En cada una de las películas de su famosa trilogía hace un breve cameo: en La Comunidad del Anillo hace de aldeano borracho que se come una zanahoria, en Las dos Torres se convirtió en un valiente soldado rohir y en El Retorno del Rey apareció en uno de los barcos de los hombres del sur.
• En la genial Arma fatal (Hot Fuzz) aparece vestido de Papá Noel al principio de la película.

Francis Ford Coppola

Es imposible hablar de cameos sin mencionarle, el gran Coppola con el mastodóntico rodaje de Apocalypse Now que casi le cuesta la vida (ver Rodajes de pesadilla) hizo un guiño a su propio trabajo de director, apareciendo en la película como miembro del equipo que rueda un documental.

James Cameron

El padre de los Na´vi también ha hecho sus pinitos como actor esporádico, pero en su película más famosa Titanic (antes de que llegasen los habitantes de Pandora) hizo varios cameos.

Primero, en la cola de acceso al barco, aparece mientras le espulgan la
barba, también es uno de los cámaras que retratan el zarpaje del Titanic, nos le encontramos cuando una multitud pretende llegar a los botes salvadidas (detrás del personaje de Fabrizio) y por último uno de los más importantes, realizando el famoso dibujo de Kate Winslet. No sólo son las manos de Cameron, si no que además el propio dibujo es cosa suya. Cameo por partida cuádruple.

La lista de directores que han aparecido en sus propias películas puede ser interminable, aquí sólo están algunos de los más conocidos, pero para terminar os dejo con el bueno de Mel Gibson, que se divirtió de lo lindo en el trailer de Apocalypto.

¿Alguien se dio cuenta cuando lo vio?